Por varios años Corea del Norte ha estado envuelta en un velo de misterio, el gobierno del país mantiene a la población bajo un régimen de censura y sin acceso a información que no haya pasado antes por una serie de filtros autorizados por el régimen, por ello desconocemos muchos de los detalles de la vida de las personas que viven allí.

Podría sonar extraño, pero el metro de Corea del Norte es uno de los lugares secretos del país, los extranjeros sólo tenían permitido viajar por dos estaciones, lo que provocó que se especulara que no existía una verdadera línea de metro. Pero esto ha cambiado, ya que hace unos días el gobierno permitió por primera vez el acceso a un grupo de turistas, en donde se encontraba Elliott Davies quien ahora nos presenta una serie de fotografías y parte de su experiencia en uno lugares más misteriosos del mundo.

Un museo dentro de un refugio antiaéreo

El metro de Pyongyang consta de 16 estaciones en dos líneas y está construido a 110 metros bajo tierra, lo que lo hace uno de los más profundos del mundo, la razón de esto es porque fue diseñado como refugio antiaéreo en caso de un ataque proveniente de alguno de sus enemigos, por ello también encontramos puertas blindadas de acero en las entradas a la estación y a los andenes, así cada estación podría resguardar la integridad de la población en caso de ser necesario.

Debido a esta profundidad, llegar a los andenes representa un viaje de aproximadamente cuatro minutos en escaleras mecánicas, un trayecto que es acompañado en todo momento de música revolucionaria.

Contrario a lo que se podría pensar, las estaciones están extremadamente limpias y bien conservadas, cada una es una especie de museo donde se da una imagen de opulencia y bienestar que choca con la percepción que tenemos del país. Aquí nos encontraremos con murales llenos de color, placas grabadas en bronce, grandes candelabros y lujosas lamparas, columnas de mármol y estatuas de diversos materiales que muestran un aspecto nunca antes visto en un sistema de transporte público.

Por supuesto la temática que rodea a las estaciones es basada en el ultranacionalismo y la revolución, imágenes de gente alegre haciendo todo tipo de labores, soldados del régimen defendiendo el país y por supuesto imágenes del Líder Supremo Kim Jong-un y su Presidente Eterno Kim Il-sung, lo que nos muestra un interesante sistema de ideales y creencias que bombardean a la población en todo momento.

Todos los trenes fueron importados de Alemania del Este, lo que significa que el más nuevo tiene más de 25 años funcionando, pero todo funciona a la perfección, desde el sistema de aire acondicionado, hasta los altavoces, desde donde se transmite de igual forma la misma música revolucionaria.

Dentro de los vagones, la música se presenta a un volumen elevado, lo que provoca que los pasajeros no tengan interacción, no hay conversaciones ni se cruzan miradas, cada persona va concentrada en sus pensamientos y no los comparte con nadie. Un punto interesante, es que por ley cada vagón debe tener las fotografías enmarcadas de Kim Il-Sung y Kim Jong-Il, fotos que se deben colocar en la parte más alta del vagón y con un ángulo de inclinación para que parezca que los líderes están vigilando a los pasajeros.

Si desean ver las 60 fotografías y todos los detalles del metro de Pyongyang, lo pueden encontrar en el blog de Elliott Davies, quien se ha encargado de fotografiar hasta el más mínimo detalle, una trabajo fascinante que nos da un pequeño vistazo a una de las regiones con más secretos en el mundo.

Más información | Earth Nutshell

Hay gente que posee un talento innato para ciertas actividades, por lo que su trabajo resulta maravilloso para quienes tenemos la oportunidad de admirarlo, donde una de las características más importantes es hacernos creer que estamos viendo una cosa y sorprendernos con algo que nunca hubiéramos imaginado.

Tal es el caso de Shinichi Furuya, un afamado artista japonés especialista es hacer dibujos a mano con sólo lápiz y papel, gracias a la calidad de su trabajo ha sido invitado a varios programas de televisión donde muestra su magia en directo, ya que es impresionante el nivel de detalle que consigue, por lo que nos hace creer que estamos ante una fotografía y no un dibujo a lápiz.

De verdad, son dibujos a lápiz

Aunque suene increíble, Furuya no vive de sus dibujos, su trabajo es como el de cualquier persona normal en Japón, quien trabaja para una compañía, tiene una salario y un horario de lunes a viernes, pero en sus tiempos libres aprovecha para hacer estos sorprendentes retratos de famosas celebridades de su país.

Por ejemplo, aquí podemos comparar la calidad de su trabajo y ver la habilidad que tiene con el lápiz.

Fotografía original.

Dibujo hecho a mano por Shinichi Furuya.

Si desean conocer parte de proceso que lleva cada dibujo, Furuya tiene disponibles magníficos vídeos donde podemos apreciar su técnica y el asombroso resultado.

En Magnet | Cuando un bolígrafo es la mejor herramienta para crear increíbles dibujos basados en líneas

Hay quien piensa que en la fotografía ya no ha nada nuevo, todo se trata de cosas recicladas y mezclas entre técnicas, por ello a veces nos encontramos con imágenes que parece que ya hemos visto antes. A partir de esto surge una corriente por fotografiar cosas originales, algo que también ha llegado a caer en esos viejos clichés, pero por fortuna no todo está perdido.

Hay fotos que salen de lo común, la cuales impactan de diversas formas a quien las está viendo, pero cuando un fotógrafo es capaz de alterar la realidad con una imagen y logra confundir, entonces aparece ese factor sorpresa que nos hace ver una y otra vez la imagen para tratar de entender cómo fue creada. Este es el caso de AnaHell, una fotógrafa española que precisamente sabe jugar con esa realidad de una forma magnífica.

Seres mágicos surgidos de la imaginación

AnaHell se describe como experta en la ilustración y una apasionada por dibujos animados, la carne, lo absurdo, el surrealismo y la fotografía documental, esta curiosa mezcla la llevado a crear un proyecto fotográfico que ha bautizado como 'Secret Friends', que consiste en extraños seres creados a partir de su propio cuerpo, con la ayuda de pelucas, maquillaje y ropa.

Contrario a lo que muchos pudieran pensar, no hay trabajo de edición ni montaje, lo que vemos es real y fue creado para esa toma, esto hace que tratemos de entender cómo fue realizado, ademas del contexto y la escena que encierra un giro a situaciones diarias y lo absurdo que puede ser la realidad, donde al final se trata de una mezcla fascinante de dibujos, cuerpos humanos y fotografía.

En las siguientes imágenes, AnaHell salió de vacaciones con sus Amigos Secretos, visitando lugares como Mallorca, Valencia y Berlín, donde se dedicó a retratar clichés, fotos de un clásico turista, por ello veremos situaciones conocidas en tono de burla, que al final caen en una dualidad entre lo que es real e irreal.

Una foto publicada por @anahellphotography el 16 de Feb de 2016 a la(s) 12:16 PST

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Una foto publicada por @anahellphotography el 14 de Feb de 2016 a la(s) 1:31 PST

Más información | AnaHell

Ese fantastico mundo alterno que es internet donde se puede encontrar prácticamente todo, pero entre toda esa variedad, algo de lo más divertido son los trolls, pero no esos que buscan molestar y llamar la atención nada más porque sí, sino aquellos que lo hacen con ingenio, creatividad e invierten tiempo y recursos en hacer que su "ataque" tenga repercusión y quede grabado en la mente de todos nosotros.

Este es el caso de Celeste Barber, una comediante australiana que está saltando a la fama gracias a sus fotos donde parodia muchas de las poses y actitudes de los famosos, fotos que a veces llevan implícito un mensaje de reflexión y ataque hacia este estilo de vida falso y que muchos idolatran.

No, ser una celebridad no es nada fácil

Celeste busca ridiculizar esas actitudes que muestran el glamour del mundo artístico, algo que surgió por accidente cuando un día parodiaba junto a su hermana ese comportamiento y estilo de vida que los famosos suelen exhibir en las redes sociales, algo que muchas veces busca ser imitado por sus seguidores, logrando que esos fans vivan anhelando ser otra persona.

Después de ese juego privado junto a su hermana, decidió publicar una imagen en Instagram y poco a poco empezaron a llegar los seguidores y los comentarios que celebraban su trabajo, la mayoría de las fotos hablan por sí mismas, pero el éxito llegó cuando empezó a hacer críticas junto a las imágenes, donde además de hacer sátira buscaba abrir debates por anorexia, uso de drogas y narcisismo.

Al día de hoy su perfil en Instagram ha superado el medio millón de seguidores y entre sus víctimas están por supuesto las hermanas Kardashian, Lady Gaga, Justin Bieber, Victoria Beckham, Beyonce, Jessica Simpson y muchos más.

"La gente se toma todo demasiado en serio, tienen una obsesión enorme con los famosos, los ricos, los privilegiados y todos esos blogs de estilo de vida, pero lo peor, es que los famosos se creen que están haciendo cosas normales, por ejemplo Kim Kardashian posa en una montaña de tierra, ¿quién hace eso en la vida real?"

Remember this?!? #celestechallengeaccepted #kimkardashian #funny @kimkardashian #joycebonelli

Una foto publicada por Celeste Barber (@celestebarber) el 18 de Ene de 2016 a la(s) 3:33 PST

Spot the difference. #celestechallengeaccepted #longweekend #funny #kimkardashian #kimye

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Una foto publicada por Celeste Barber (@celestebarber) el 7 de Mar de 2016 a la(s) 12:40 PST

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Una foto publicada por Celeste Barber (@celestebarber) el 22 de Mar de 2016 a la(s) 11:10 PDT

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Una foto publicada por Celeste Barber (@celestebarber) el 7 de Feb de 2016 a la(s) 12:39 PST

Really enjoying the summer break. ☀️#celestechallengeaccepted #funny #Biancacheah

Una foto publicada por Celeste Barber (@celestebarber) el 28 de Dic de 2015 a la(s) 11:51 PST

Una foto publicada por Celeste Barber (@celestebarber) el 5 de Feb de 2016 a la(s) 12:49 PST

Really getting the hang of this 'sexy in the water' thing. #celestechallengeaccepted #beyonce #bali

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Una foto publicada por Celeste Barber (@celestebarber) el 30 de Ago de 2015 a la(s) 4:58 PDT

Una foto publicada por Celeste Barber (@celestebarber) el 25 de Ago de 2015 a la(s) 5:24 PDT

Una foto publicada por Celeste Barber (@celestebarber) el 16 de Ago de 2015 a la(s) 5:27 PDT

Una foto publicada por Celeste Barber (@celestebarber) el 12 de Ago de 2015 a la(s) 8:58 PDT

Relaxing and being sexy is the easiest thing in the world. @victoriassecret #celestechallengeaccepted #funny #victoriasecret

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Una foto publicada por Celeste Barber (@celestebarber) el 29 de Feb de 2016 a la(s) 12:39 PST

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Una foto publicada por Celeste Barber (@celestebarber) el 14 de Mar de 2016 a la(s) 3:34 PDT

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Una foto publicada por Celeste Barber (@celestebarber) el 21 de Abr de 2016 a la(s) 1:59 PDT

Más información | Celeste Barber

Ya se han conocido los ganadores de la última edición del Sony World Photography Awards, el mayor concurso de fotografía del mundo entero organizado por la Photography Organisation y uno de los concursos con mayor nivel en sus resultados (este año han optado al premio más de 200.000 fotografías). La muestra de este año (el concurso se abrió entre el 1 de junio de 2015 y el 12 de enero de 2016) se ha definido, según sus organizadores, por su gran carácter internacional, con más de 270 fotógrafos y casi 60 países representados entre los triunfadores de la muestra, el número más alto en la historia de los nueve años en los que se lleva celebrando este premio. Los resultados son, claro, impresionantes.

Si estás por Londres, podrás pasarte a ver a los premiados desde hoy mismo y hasta el próximo 8 de mayo. Pero si no vas a estar cerca, puedes ver las espectaculares imágenes aquí abajo, de las que hemos seleccionado tanto las dos mejores fotografías del ganador de cada una de las 15 categorías como otra de entre cada uno de los nominados por sección. Un montón de nombres de fotógrafos que apuntar, y una batería de imágenes para maravillarse con lo cruel, hermoso, inabarcable que es nuestro mundo y todas sus dimensiones.

Ganador de la categoría Gente: Kevin Frayer, Canadá por la serie “Nomadic Life Threatened on the Tibetan Plateau”

La tradicional vida de los nómadas tibetanos se enfrenta a día de hoy a muchos retos, entre ellos, la presión política, una recolocación forzada por el gobierno chino, el cambio climático y la rápida modernización. La meseta del Tíbet, a menudo denominada el Techo del Mundo, es la más alta y grande del planeta.

"A Young Tibetan Buddhist Novice Monk Stands With His Yak Herd At The Family S Nomadic Summer Grazing Area On The Tibetan Plateau In Yushu County Qinghai China" (kevin Frayer/Sony World Photography Awards, 2016)

Nomadic Life Threatened On The Tibetan Plateau (kevin Frayer/Sony World Photography Awards, 2016)

Segundo Premio en la categoría de Gente: Filippo Venturi, Italia, por la serie "Made in Korea"

"Made in Korea" (Filippo Venturi/Sony World Photography Awards, 2016)

Ganador de la categoría Medio Ambiente: Kevin Frayer, Canadá, por la serie “Eagle Hunters of Western China”

El festival de caza con águilas organizado por una comunidad de cazadores locales forma parte de un esfuerzo colectivo por promover y hacer crecer las prácticas tradicionales de caza entre las nuevas generaciones de esta región montañosa del oeste de China, que limita con Kazajistán, Rusia y Mongolia. La formación y dominio de las grandes aves de presa sigue un estricto conjunto de antiguas reglas que los kazajos cazadores con águila intentan preservar para las generaciones futuras.

Eagle Hunters Of Western China (Kevin Frayer/Sony World Photography Awards, 2016)

"Spectators React As They Watch A Chinese Kazakh Eagle Hunter Not Seen Release His Bird During A Local Competition In The Mountains Of Qinghe County Xinjiang Northwestern China" (Kevin Frayer/Sony World Photography Awards, 2016)

Tercer Premio de la categoría Medio Ambiente: Lucy Nicholson, Gran Bretaña, por la serie “California Drought From Above”

"California Drought From Above", (Lucy Nicholson/Sony World Photography Awards, 2016)

Ganador de la categoría Vida Cotidiana: Espen Rasmussen, Noruega, por la serie “The Curse of Coal”

El carbón era el oro particular de Virginia Oeste, hasta que llegaron las regularizaciones medioambientales de Obama. Esto, sumado a los precios a la baja que vivía el carbón, se ha convertido en una maldición para muchas de las ciudades de la región. En 1940 trabajaban en sus montañas hasta 140.000 personas. Hoy el negocio lo representan 15.000 trabajadores. Ciudades como Beckley o Mullens no tienen muchas otras fuentes de ingresos. Las drogas, el alcohol y la violencia están presentes en muchos de estos lugares, y los jóvenes, con muchas dificultades para encontrar trabajo, se ven obligados a mudarse.

"Outside Mullens In West Virginia Miners Change After Their Work Shift Some Months Later They Lost Their Job When The Mine Closed" (Espen Rasmussen/Sony World Photography Awards, 2016)

"Chelse 21 Together With Her Boyfriend Eric And Alvin Smoke Oxycontin Painkillers In Her Mother S Trailer Close To Beckley West Virginia Before Going Out For A Party On Halloween With More Than 500 Dying Of Overdoses Every Year, West Virginia is pill state number one in the US" (Espen Rasmussen/Sony World Photography Awards, 2016)

Tercer Premio de la categoría Vida Cotidiana: Stephanie Sinclair, Estados Unidos, por la serie “Running Away with the Circus”

"Running Away with the Circus" (Stephanie Sinclair/Sony World Photography Awards, 2016)

Ganador de la categoría Actualidad: Angelos Tzortzinis, Grecia, por la serie “In Search of the European Dream”

La migración a Europa ha aumentado en los últimos años, principalmente debido a la agitación política y social de Oriente Medio. Cientos de miles de refugiados y migrantes han cruzado de Turquía a Grecia y otros países europeos. Los principales puntos de entrada son las islas de Kos y Lesbos. Para muchos, este es su primer encuentro con el mar. Cientos de personas han perdido la vida en su intento de llegar a la Unión Europea, muchos con la esperanza de reunirse con amigos y familiares.

"An Afghan refugee carries his child as he arrives along with others on a beach on the Greek island of Kos, after crossing a part of the Aegean Sea between Turkey and Greece, on 27 May 2015" (Angelos Tzortzinis/Sony World Photography Awards, 2016)

"Doctors and paramedics try to resuscitate a baby after a boat with refugees and migrants sank while attempting to reach the Greek island of Lesbos from Turkey, on 28 October 2015. At least five people including three children, died that day when four boats sank between Turkey and Greece" (Angelos Tzortzinis/Sony World Photography Awards, 2016)

Segundo Premio de la categoría Actualidad: Andrea and Magda, de Italia y Francia, por la serie "Sinai Park"

"Sinai Park" (Andrea & Magda Micelli/Sony World Photography Awards, 2016)

Ganador de la categoría Temas de hoy: Asghar Khamseh, Irán, por la serie “Fire of Hatred”

Esta serie pone de relieve el creciente número de ataques con ácido en Irán y la falta de apoyo médico o asesoramiento financiero disponible actualmente por parte de canales gubernamentales o de ONGs. Los ataques con ácido son un crimen de odio violento, sin embargo, las víctimas a menudo se enfrentan al estigma social y a la culpa, además del daño físico y psicológico. Estos retratos ofrecen a las mujeres y hombres fotografiados la oportunidad de hacer pública su historia. Vea nuestra galería en la serie de Asghar Chance.

"Shirin Mohamadi, 18 years old from Tehran, said no to her suitor. He attacked her with acid on the first day of the new year in 2012. Shirin lost her right eye, nose, one of her ears. Her mouth was severely damaged and other parts of her body burned deeply. She had a lot of operations and still needs to have more"(Asghar Khamseh/Sony World Photography Awards, 2016)

"This is Mohsen Mortazavi, a 34-year-old resident of Tehran. On his first day at a new job in 2012, a co-worker threw three litres of sulphuric acid over him and knifed him 16 times, supposedly in revenge for making prank calls. Mohsen hadn't made these calls, it was someone else. Mohsen lost his right eye, scalp and right ear" (Asghar Khamseh/Sony World Photography Awards, 2016)

Tercer Premio de la categoría Temas de hoy: Simona Ghizoni, Italia, por la serie “UNCUT Pokot / Kenya”

"UNCUT Pokot / Kenya" (Simona Ghizoni/Sony World Photography Awards, 2016)

Ganador de la categoría Campaña: Jetmir Idrizi, Kosovo, por la serie “TransBrasil”

Esta serie se aproxima a los problemas de identidad de género desde una perspectiva de la fotografía documental. Se aproxima a una serie de diferentes expresiones sociales y culturales que cuestionan los esquemas binarios masculino/femenino. Las personas trans expresan sus identidades de género de multitud de formas. Algunas personas usan su vestimenta, el comportamiento y el lenguaje corporal según el género que se amolda a su identidad. Algunos toman hormonas y pueden permitirse costear la cirugía que necesitan para que su cuerpo coincida con su identidad de género. Algunas personas trans rechazan la interpretación tradicional del género binario, dividido simplemente entre "masculino " y "femenino ", por lo que se identifican simplemente como transgénero o GENDERQUEER , género líquido o alguna otra etiqueta.

Transbrasil (Jetmir Idrizi/Sony World Photography Awards, 2016)

Transbrasil (Jetmir Idrizi/Sony World Photography Awards, 2016)

Tercer Premio de la categoría Campaña: Antoine Repessé, Francia, por la serie “#365, Unpacked"

"#365, Unpacked" (Antoine Repessé/Sony World Photography Awards, 2016)

Ganador de la categoría Deporte: Nikolai Linares, Dinamarca, por la serie “Second Best”

Retratos de los ganadores de la medalla de plata justo después de perder su final en los campeonatos de boxeo Zelanda, celebrados en Copenhague.

"Second Best At The Zealand Boxing Championships Held In Copenhagen Daniel Heinze 27 Years Old 75kg From The Boxing Club Ringsted Bk" (Nikolai Linares/Sony World Photography Awards, 2016)

"Second best at the Zealand boxing championships held in Copenhagen. Daniel Heinze, 27 years old, 75kg, from the boxing club Ringsted BK" (Nikolai Linares/Sony World Photography Awards, 2016)

Tercer Puesto de la categoría Deporte: Annick Donkers, Bélgica, por la serie “Lucha Libre Extrema”

"Lucha Libre Extrema" (Annick Donkers, Sony Worlds Photography Awards, 2016)

Ganador de la categoría Arquitectura: Amélie Labourdette, Francia, por la serie “Empire of dust”

Estas fotografías fueron tomadas en el sur de Italia, donde la crisis financiera y la malversación han creado una estética arquitectónica de incompletitud.

"Empire Of Dust 04, Giare Sicile" (Amelie Labourdette/Sony World Photography Awards, 2016)

"Empire Of Dust 18, Giare Sicile" (Amelie Labourdette/Sony World Photography Awards, 2016)

Tercer Puesto de la categoría Arquitectura: Stephan Zirwes, Alemania, por la serie “Pools”

"Pools" (Stephan Zirwes/Sony World Photography Awards, 2016)

Ganadora de la categoría Robado: Kirstin Schmitt, Alemania, por la serie “Waiting for the Candymen”

Un estudio de la idiosincrasia cubana. Una alegoría de espera: esperar al momento adecuado, esperar a mañana, esperar algo o a alguien que, tal vez, traiga la redención.

Milagro (Kirstin Schmitt/Sony World Photography Awards, 2016)

"Swoon Or Scoliosis" (Kirstin Schmitt/Sony World Photography Awards, 2016)

Tercer Premio de la categoría Robado: Andrea Rosatto, Italia, por la serie “Joy for all ages ...”

"Joy for all ages ..." (Andrea Rosatto/Sony World Photography Award, 2016)

Ganadora de la categoría Conceptual: Julien Mauve, Francia, por la serie “Greetings From Mars”

Este proyecto trata sobre la exploración y el descubrimiento del espacio, pero también de nuestro comportamiento frente a los paisajes y la forma de crear imágenes que van a compartir nuestra historia personal con el mundo. En cada uno de estos lugares, escogidos por su similitud con el planeta rojo, el fotógrafo imita de forma estereotipada la típica pose del turista.

"Greetings From Mars" (Julien Mauve/Sony World Photography Awards, 2016)

"Greetings From Mars" (Julien Mauve/Sony World Photography Awards, 2016)

Tercer Puesto de la categoría Conceptual: Barbaros Kayan, Turquía, por la serie "Moving Portraites"

"Moving Portraites" (Barbaros Kayan/Sony World Photography Awards, 2016)

Ganadora de la categoría Paisaje: Maroesjka Lavigne, Bélgica, por la serie “Land of Nothingness”

Namibia es uno de los lugares menos densamente poblados de la tierra y se define visualmente por los vivos colores de un estéril pero permanentemente cambiante paisaje; la extensa llanura de tierra quemada amarronada, la blanca superficie de las salinas, los dorados tonos de las dunas de arena... Se requiere paciencia para descubrir el sutil paisaje de Namibia, y horas de conducción nos adentran más y más en el vacío. El vislumbramiento de otras personas es raro, y las estaciones de servicio estratégicamente ubicadas parecen un recordatorio del mundo del más allá.

"Rhino" (Maroesjka Lavigne/Sony World Photography Awards, 2016)

"Hartebeest" (Maroesjka Lavigne/Sony World Photography Awards, 2016)

Tercer Premo de la categoría Paisaje: Stefan Schlumpf, Suiza, por la serie "Hidden Landscape"

"Hidden Landscape" (Stefan Schlumpf/Sony World Photography Awards, 2016)

Ganador de la categoría Retrato: Marcello Bonfanti, Italia, por la serie “Ebola Survivors”

La epidemia generalizada de Ébola en Sierra Leona se saldó en octubre de 2015 con 14.122 casos y 3.955 muertes. Se requiere la intervención compleja y valiente de las ONGs internacionales en el intento de combatir el virus. La ONG italiana Emergency dirige un centro de tratamiento de Ébola construido por DFEED. Gracias a la atención médica muchas personas pueden comenzar una nueva vida, pero a menudo vuelven de esta pesadilla para encontrar a sus familias parcial o totalmente fallecidas por el virus.

"Fatmata Kamara, 25, with her son Koday, 1. She has lost her husband and her aunt. She contracted ebola together with her son. They both survived the infection thanks to the cures given by Emergency. They live in Waterloo, a village developed from a refugee camp, heavily hit by ebola in December 2014" (Marcello Bonfanti/Sony World Photography Awards, 2016)

"Monjama Moussa, 25, married mother of four children, from Goderich in Sierra Leone. She had a coal shop and she contracted ebola from a supplier. After being treated by Emergency, she got back home, but she was refused by her family, that considered her healing as a sign of demon possession. She has lost her family and her job. She now works as cleaner at the Emergency surgical hospital in Goderich" (Marcello Bonfanti/Sony World Photography Awards, 2016)

Segundo Premio de la categoría Retrato: Fauzan Ijazah, Indonesia, por la serie “Stateless Women”

"Stateless Women" (Fauzan Ijazah/Sony World Photography Awards, 2016)

Ganador de la categoría Bodegón: Francesco Amorosino, Italia, por la serie “Migrant Tomatoes”

“Una vez al año, las familias italianas hacen salsa de tomate para el hogar, cocinando y guardando enormes cantidades de vegetales. Estas toneladas de tomates se cultivan en los campos del sur del país y los recogen unos 19.000 obreros, cobrando entre uno o dos euros por cada caja. En 2015 hubo 13 muertes laborales en estos campos debido a las altas temperaturas. Muchos de los que participan habitualmente en las cosechas son inmigrantes. Los tomates, aún sucios de tierra, son comprados por mi familia para hacer esta salsa. En ellos vi el rastro de la huellas digitales de aquellos que los habían cosechado e imaginaba sus historias, las horas pasadas en el sol, la esperanza , el deseo de trabajar”.

"Migrant Tomatoes 3" (Francesco Amorosino/Sony World Photography Awards, 2016)

"Migrant Tomatoes 3" (Francesco Amorosino/Sony World Photography Awards, 2016)

Tercer Puesto de la categoría Bodegón: Hiroshi Watanabe, Japón, por la serie “Meaty Foodscape ”

"Meaty Foodscape" (Hiroshi Watanabe/Sony World Photography, 2016)

Ganador de la categoría Escena: Alberto Alicata, Italia, por la serie “Iconic B”

En esta colección, Alberto Alicata traza la historia de la fotografía utilizando un símbolo de la cultura occidental contemporánea (Barbie) para recrear icónicas imágenes de grandes maestros del medio como Irving Penn, Richard Avedon, Guy Bourdin, David Lachapelle y Mario Testino .

"Iconicb004" (Alberto Alicata/Sony World Photography Awards, 2016)

"Iconicb005" (Alberto Alicata/Sony World Photography Awards, 2016)

Tercer Premio de la categoría Escena: Kristoffer Eliassen, Noruega, por la serie “The Selfie Project”

“The Selfie Project” (Kristoffer Eliassen/Sony World Photography Awards, 2016)

¿Qué sería del mundo sin animalitos bonitos que admirar? No importa que sean bestias de pesadilla, estén feos, o incluso nos los comamos. Vivimos en un mundo que se basa mucho en lo visual y si el animalito en cuestión es atractivo o posee un rasgo significativo, internet se vuelve loco y así nace la próxima estrella en la red.

Tal es el caso de Huff, un bello erizo que ha saltado a la fama de un día para otro de una forma increíble, esto gracias a su par de colmillos que salen de su pequeño hocico como si se tratara de un vampiro, pero sus fotos lejos de mostrar una faceta tan agresiva, se enfocan en mostrar los mejores momentos de este pequeño que ahora mismo es la sensación en Instagram.

Sir Hodge Huffington the Cricket Slayer

Vamos, le dicen Huff de cariño pero su nombre completo es 'Sir Hodge Huffington the Cricket Slayer', y se trata de un pequeño erizo enano africano que sufría de maltrato por parte de su anterior dueño, pero ahora gracias a que Carolyn Parker lo ha adoptado con el objetivo de cuidarlo y darle una mejor vida, es como conocemos su historia y se peculiar aspecto.

De acuerdo a una entrevista, Carolyn explica que todos los erizos tiene colmillos afilados, pero en el caso de Huff éstos son un poco más pronunciados, por lo que siempre intenta capturar este divertido rasgo en las fotos que comparte.

"La vida en Utah (donde los días de invierno son cortos y fríos), la depresión estacional es algo con lo que mucha gente tiene que lidiar -incluida yo misma-. Por ello tomé la decisión de abrir un perfil en Instagram para compartir con todas las personas algo que me hace inmensamente feliz."

Hasta este momento, el perfil de Hodge Huffington tiene más de 14.000 seguidores y por supuesto todos los comentario giran en torno a su bello y tierno aspecto de pequeño erizo vampiro.

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En Magnet | ¿Te parecen cuquis estos animales? En realidad son monstruos de pesadilla

Todas las historias que nos cuentan ya sea en la televisión, el cine o los videojuegos, debe tener cierto grado de verosimilitud para así crear empatía con el espectador, pero vamos, no es una característica obligatoria, donde gracias a esa empatía, es como podemos imaginar un mundo alterno donde todos esos personajes conviven y tienen vidas y obligaciones como todos nosotros.

Ahora imaginemos por un momento que ese mundo se mezcla con el nuestro, y todos esos personajes están ahora entre nosotros, en la calle, en el supermercado, en los parques, en cualquier lado, ya que esa realidad en la que creemos estar viviendo es también la realidad de todos esos personajes de ficción.

Un extraño sentimiento de soledad

Esta idea de mezcla de universos es lo que nos presenta el colectivo artístico 2D Among US, un proyecto de arte comunitario ruso que surgió precisamente para combinar este universo de ficción y traerlo a nuestra realidad dentro de fotos reales, donde además va implícito un mensaje de crítica social buscando atraer la atención de espectador hacia los problemas sociales en Rusia.

Se trata de imágenes digitales creadas a partir de fotografías reales de aquellos sitios no turísticos en Rusia, de ahí su aspecto gris y desolado, zonas ordinarias donde muchas familias viven y sobreviven diariamente, y donde ahora estos personajes conocidos en todo el mundo conviven con este entorno.

En las imágenes nos encontraremos desde personajes de películas, series de televisión animadas, hasta videojuegos y animes, cada uno plasmado a través de ediciones y montajes, donde se destaca un gran trabajo en conjunto ya que las imágenes no pertenecen a la misma persona, sin embargo, todas logran transmitir ese extraño sentimiento de soledad que no coincide con la apariencia de estos personajes.

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Más información | 2D Among Us en VK En Magnet | Ángulos imposibles sobre paisajes oníricos, estas fotos nos invitan a salir de la realidad

Roma no se construyó en un día, ni tampoco algunos de las estructuras y monumentos más famosos del mundo. Desde el Puente Golden Gate hasta la Torre Eiffel, pasando por la Columna de Nelson, todos ellos atravesaron rigurosos procesos constructivos antes de terminar convirtiéndose en los iconos arquitectónicos que conocemos en la actualidad, admirados por miles de turistas cada año. En muchos casos, los procesos de construcción de grandes monumentos han quedado plasmados en imágenes curiosas que despiertan la fascinación de artistas como Jordan J. Lloyd, de Dynamichrome, quien nos ofrece una nueva visión de la historia mediante la aportación de color a las mismas.

En colaboración con Retronaut, el trabajo de Lloyd será publicado a finales de 2016 en The Paper Time Machine: 13 imágenes reconstruídas a color de fotografías históricas que muestran grandes monumentos en sus fases de construcción. El objetivo no es el de reemplazar las imágenes monocromáticas originales sino sugerir cómo pudieran haber sido a color, estudiando cuidadosamente factores como las horas del día a la que fueron tomadas, el tiempo climático o las vestimentas de los trabajadores. El trabajo de Lloyd es una invitación a imaginar cómo habría sido el pasado a color. El pasado no está muerto y lo vamos a homenajear con una colección de 17 imágenes que muestran cómo se constuyeron algunos de los mayores monumentos de la Humanidad.

1. Puente Golden Gate (c. 1934, San Francisco, EEUU)

Fuente: Library of Congress

2. Columna de Nelson (1844, Trafalgar Square, Londres, Reino Unido)

Fuente: Sience and Society Picture Library

3. Estatua de la Libertad (1882, Nueva York, EEUU)

Fuente: Library of Congress

4. Basílica del Sagrado Corazón (1880, París, Francia)

5. Tower Bridge (c. 1889, Londres, Reino Unido)

6. Torre Eiffel (1888, París, Francia)

7. Stonehenge (c. 1920, Whiltshire, Reino Unido)

Fuente: English Heritage

Esta fotografía muestra los trabajos de restauración llevados a cabo por el Teniente Coronel en 1919-1920. El monumento data del 2000 a.C.

8. Cara de George Washington en Monte Ryshmore (1932, Dakota del Sur, EEUU)

Fuente: Library of Congress

9. Taj Majal (c. 1942, Uttar Pradesh, India)

Fuente: Library of Congress

10. Puente de Brooklyn (1883, Nueva York, EEUU)

11. Presa Hoover (c. 1935, Arizona y Nevada, EEUU)

Fuente: Bureau of Reclamation

12. Puente de Manhattan (1908, Nueva York, EEUU)

13. Union Station (1906, Kansas, EEUU)

14. Capitolio (1861, Washington D.C., EEUU)

Fuente: Library of Congress

15. Cristo Redentor (1931, Rio de Janeiro, Brasil)

16. Lincoln Memorial (1920, Washington D.C., EEUU)

Fuente: U.S. National Archives

17. Catedral de San Juan Divino (1868, Nueva York, EEUU)

Imágenes | Louis-Emile_Durandelle, Dean Franklin,

El mundo está lleno de gente talentosa, el problema es encontrarlos. Por fortuna internet y las redes sociales se han encargado de amplificar el alcance y las posibilidades de encontrarnos con proyectos atractivos y originales, sin embargo no es fácil, ya que aunque exista gente que busca diferenciarse haciendo cosas distintas, es uno entre millones, por ello cuando encontramos uno tenemos esa necesidad de compartirlo con todos.

Este es el caso del artista y fotógrafo australiano Jasper St Aubyn West, mejor conocido como Tail Jar, quien un día de aburrimiento decidió dar vida a viejas fotografías que tenía guardadas, las cuales empezó a publicar en Instagram con un sello particular que hizo que la gente empezara a llegar, y es que cada foto fue invadida por monstruos.

Combatiendo el aburrimiento

Según explica Tail Jar, un día se encontraba de viaje en Las Vegas y sintió esa extraña necesidad de fotografiar toda esa saturación de colores e imágenes abrumadoras que hay sobre el Strip, pero vio que la gente que se encontraba a su alrededor tenía una cámara, por lo que se dio cuenta que deben existir millones de fotos de los mismos objetos y desde el mismo ángulo, esto le hizo recapacitar y buscar una forma única para documentar sus viajes.

Es así como consiguió un iPad Pro con Apple Pencil y se autoimpuso el reto de Sketch, que es una famosa app que convoca a que sus usuarios tomen una foto diariamente, la editen y la compartan en sus redes sociales, siendo así como surgió la idea de dibujar monstruos sobre las fotos de su viaje, transformando fotos normales en algo mucho más divertido e interesante.

El reto empezó en marzo, pero al día de hoy sigue subiendo imágenes porque esto le hace trabajar su imaginación, además de que aprovecha el tiempo libre para distraerse y pensar cómo sería un mundo rodeado de monstruos, algo que tal vez suene aterrador, pero una vez que vemos las fotos, nos damos cuenta que tal vez sería algo muy divertido.

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Una de las actividades más emocionantes es viajar por el mundo, conocer otras culturas, costumbres y por supuesto la comida, es cierto cuando nos dicen que la mejor forma de conocer un lugar es a través de sus platillos, la forma de cocinar y los ingredientes únicos que se encuentran en cada región del mundo. Por ello cada vez que tengamos oportunidad de viajar, lo primero es probar su comida y a partir de ahí sabremos más de ese lugar.

En internet podemos encontrar una gran variedad de contenido con información acerca de la comida en divisas regiones en el mundo, pero ahora nos encontramos con un increíble perfil en Instagram que nos acerca a la experiencia de viajar por medio de la verdadera comida, cuando decimos verdadera no nos referimos a aquella que sirven en los restaurantes turísticos, nos referimos a aquella que se encuentra en las calles, aquella que se consume diariamente por sus habitantes, y la 'Chica que se come el Mundo' es una experta en esto.

31 países, 5 continentes

Melissa Hie es una chica que en 2008 se mudó a Singapur a vivir sola, lo que le permitió conocer parte de la cultura asiática y viajar de forma económica por gran parte de la región, esto poco a poco se convirtió en un especie de adicción, ya que Melissa no se consideraba aventurera ni sociable, esto ocasionaba que a veces se le complicará pedir a la gente que le sacara fotos, además de que nunca fue muy buena con los selfies, sin embargo, siempre ha sido una gran fanática de la comida, y de ahí surgió la idea de empezar a fotografiar los platillos y bocadillos que encontraba en cada país.

Para 2011 ya se había vuelto una experta en viajar sola y con poco dinero, lo que hizo que por primera vez viajara a Europa, una experiencia que le hizo abrir un blog donde empezó a compartir su experiencia, historias y consejos, la mayoría enfocado a viajes para mujeres solas. Y gracias a este blog empezó a contactar gente, quienes le ayudaron a tener mayor exposición, por lo que decidió dedicarse a ser blogger de viajes.

Un día, un amigo le aconsejó que abriera un perfil en Instagram, ya que le serviría para poner todas las fotos de la comida que encuentra alrededor del mudo, es así como a inicios de 2015 nació @girleatworld, un perfil que se dedica a mostrar platillos, postres y bocadillos locales con el fondo del lugar que está visitando, el cual se volvió un éxito por la forma original y creativa de mostrar fotos de viajes y comida en un contexto nunca antes visto.

Con esto, consiguió nuevos patrocinios de importantes marcas quienes ahora la invitan a diversas regiones del mundo para que muestre sus famosas fotos, algo que se complementa con todo lo que escribe en su blog, que es la continuación perfecta a las fotos y donde se profundiza en los consejos, la comida, el presupuesto, e ideas en general para viajar de forma sencilla y económica. Esto la ha hecho viajar por los cinco continentes y 31 países al día de hoy, sin duda un trabajo que muchos desearían tener.

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Más información | Girl eat World

Quienes nos encontramos todo el día navegando en internet, a veces no logramos tener la dimensión de cómo era el mundo antes de la llegada de las redes sociales, ¿cómo se comunicaban y estaban al tanto de las noticias sin smartphones? ¿Cómo se enteraban de lo que les pasaba a sus amigos o familiares? ¿Dónde encontraban información de algún tema? Sin duda un mundo muy distinto al que tenemos hoy ante nuestros ojos.

Por fortuna nos hemos encontrado con un fascinante proyecto que nos presenta un interesante acercamiento a cómo serían muchas de la cosas que hoy encontramos gracias a internet pero en la vida real. El proyecto lleva por nombre 'Web 0.0' y el responsable es Biancoshock, un artista conocido por sus famosas intervenciones efímeras de arte callejero, donde presenta situaciones que caen en el terreno de la reflexión con tintes de protesta.

La internet en la vida real o la 'Web 0.0'

Para este proyecto Biancoshock se trasladó a Civitacampomarano, un pequeño pueblo en la provincia región de Campobasso en Italia que cuenta con apenas 400 habitantes que en su mayoría superan los 60 años de edad, aquí se destacan las tradiciones y el conocer a todos los integrantes de la comunidad, por ello el uso de internet es algo prácticamente desconocido, de igual forma no hay cobertura móvil y las conexiones de datos simplemente no existen.

Esto ha sido parte del Festival CVTA', que reúne a diversos artistas para crear instalaciones basadas en las tradiciones de algunas provincias, donde 'Web 0.0' nos trata de mostrar que la vida sin herramientas digitales aún es posible en pleno siglo XXI, donde las aplicaciones que creemos son parte de los avances tecnológicos se basan en viejos componentes sociales que siempre han existido, los cuales han permitido que las personas estén al tanto de lo que ocurre en la comunidad.

Una interesante forma de ver e imaginar como estas "viejas" herramientas siguen vigentes y el mejor ejemplo es este pequeño poblado, que sigue adelante con su vida sin la necesidad de tener los últimos avances tecnológicos.

Tinder = una vieja banca al final del pueblo

Wikipedia = Una persona mayor que imparte conocimiento

Antivirus = Una farmacia

YouTube = Un televisor en un bar

Google = Un restaurante

RSS = Una tienda de periódicos

eBay = Una tienda

WeTransfer = El camión de los envíos

Gmail = Un buzón de correo

Twitter = Una banca para conversar

Facebook = Una pizarra de anuncios comunitarios

WhatsApp = Una cabina telefónica

Más información | Biancoshock

El formato de una foto diaria por varios años para hacer un vídeo es un recurso que se empezó a agotar, ya que de un día a otro estábamos llenos de vídeos cortos de gente donde se veía como los años y los cambios pasaban, sin duda algo atractivo y espectacular, ya que había verdaderas hazañas como recopilaciones de 16 años y hasta más de 30 años, además de transformaciones de mujer a hombre. Pero fuera de esto, nada nuevo.

Sin embargo, hoy retomaremos este tipo de vídeos gracias a una genialidad de un chico que ha decidido dar un giro a este formato, ya que decidió añadir un toque de dificultad al hacer que sus labios se sincronizaran para que pareciera que estaba cantando una canción, algo que suena sencillo, pero cuando vemos que el vídeo le tomo cinco años de su vida, es aquí donde vemos que los verdaderos fans existen.

1 selfie diario, 5 años, 1 vídeo, 1 canción

La idea es la que ya todos conocemos, un selfie diario en diversas situaciones para documentar el paso del tiempo, en este caso se trata de Sam Reid quien se tomó una foto diaria por cinco años pero no sólo para ver su cambio físico, sino también como un recurso para grabar un vídeo homenaje a Coldplay, su banda favorita.

Para esto eligió la canción "Life in Technicolor" de la que estudió cada unos de los movimientos de la boca para poder cantarla, pero además calculó los tiempos entre los versos, ajustando la canción a poco más de 1825 fotos, esto para que en cada una sus labios dieran el aspecto de una parte de canción, como si él estuviera cantando.

Un trabajo admirable y que requirió un año de preparación, además de los cinco invertidos para las fotos, esto sin contar la edición y montaje, algo que pocas personas serían capaces de hacer, ahora esperemos que Colplay se dé cuenta de la existencia de este vídeo y al menos agradezca el esfuerzo. Sí, esta es la más pura definición de fan.

En Magnet | ¿Sabes cuánto has cambiado a lo largo de los años? Investígalo con una selfie diaria

Todos alguna vez hemos tenido sueños que se desarrollan en terrenos desconocidos, mezclas extrañas de lugares con objetos que simplemente no pertenecen a esa situación, bajo historias que pueden ir desde lo absurdo hasta lo fantástico, algo que nuestro cerebro construye pero que al mismo tiempo nos es imposible de explicar, ya que cuando despertamos pocas veces podemos explicar lo que sucedió, sólo sabemos que pasó y son pocas las personas quienes lo tienen aún presente en sus recuerdos.

Estas personas aprovechan estos pasajes oníricos para crear ya sea obras de ficción escritas o visuales, donde son capaces de plasmar una idea de lo que su mente construyó mientras dormían. Este es el caso de Laurent Rosset, un artista y arquitecto italiano que se autoproclama como soñador, perfeccionista y manipulador de escenarios, quien es capaz de crear imágenes basadas en sus sueños, por más extraños e imposibles que éstos sean.

Mundos de fantasía que desafían la gravedad

El trabajo de Laurent es muy similar a lo que hemos visto con artistas como Aydın Büyüktaş y Jati Putra Pratama, quienes juegan con las dimensiones y a veces rayan en el surrealismo, pero el caso de Laurent va más allá, porque no sólo se trata de mostrar una gran capacidad de edición, sino que también trata de darle sentido de acuerdo a su sueños.

Según Laurent, su inspiración es todo, desde redes sociales, películas, libros y por supuesto sueños, todo lo que esté relacionado con creatividad le servirá para jugar con la gravedad, escalas, colores, condiciones climatológicas y los escenarios en general, que se transforman en algo imposible en nuestro mundo.

"La manipulación de fotos es algo que se parece a la realidad. Eso tal vez es mi principal reto cuando estoy editando una imagen. Me gusta crear algo inmediato (llamativo), donde la gente diga, 'Oh, espera un segundo' y luego comiencen a observar detenidamente la imagen, miren los detalles y traten de entender lo que realmente está pasando. Los detalles son la parte más difícil porque ellos son lo que le dan sentido a la imagen".

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En Magnet | Ángulos imposibles sobre paisajes oníricos, estas fotos nos invitan a salir de la realidad

Nueva York es considerado uno de los lugares más fotografiados en el mundo, esto gracias a las series de televisión, libros, películas e internet que prácticamente están llenos de fotos y vídeos de lugares turísticos, poco conocidos y hasta composiciones artísticas de la ciudad, esto ha provocado que las personas que no la conocen tengan una idea muy clara de cómo es su aspecto, esto sin siquiera haber estado ahí.

Gracias a esta saturación de imágenes está surgiendo un nuevo movimiento creativo que busca dar un giro al aspecto gráfico de la Gran Manzana, esto por medio de vídeos timelapse y reinterpretaciones de lugares sumamente conocidos. Pero lo que veremos hoy nos dejará con la boca abierta, ya que mezcla dos de las nuevas tendencias en vídeo, por un lado la captura de imágenes en 360 grados, y por el otro tomas aéreas a una gran altura.

Desde la cima del One World Trade Center para el mundo

Jimmy Chin, famoso alpinista profesional y fotógrafo, fue invitado por el New York Times para participar en una hazaña nunca antes vista, esto con el objetivo de tener un documento visual del "Nuevo Nueva York", una ciudad que se ha enfrentado a problemas financieros, de criminalidad y hasta atentados terroristas, pero ahora con el recién estrenado One World Trade Center, la ciudad siente que ha arrancado una nueva etapa y ha vuelto a nacer.

Este documento visual presenta dos de las pasiones de Jimmy, el alpinismo y la fotografía, ya que tuvo la autorización de escalar todo el One World Trade Center, y cuando decimos todo es todo, ya que le permitieron subir por la antena para así llegar hasta la base superior a 541 metros de altura.

Pero Jimmy sabía que no podía desaprovechar esta oportunidad, por ello no sólo se llevó su cámara de fotos, sino que también se equipó con una cámara capaz de grabar vídeo en 360 grados, lo que hizo que esta experiencia fuera única, ya que logró capturar la esencia de Nueva York a gran altura y abarcando una gran parte de su espectacularidad.

Más información | New York Times En Magnet | Cuando estar en prisión 44 años se vuelve un viaje en el tiempo: la historia de Otis Johnson

Cuando nuestra memoria remonta el paso del tiempo y se instala a finales del siglo XIX, a principios del siglo XX, nuestra vista imagina aquella época, la última romántica, en blanco y negro. Es justo que así sea: la mayor parte de imágenes que nos han legado los pioneros fotógrafos no tienen color. Pero era y es posible disfrutar de aquellos años, los primeros de la fotografía, en color. Gracias a la placa autocroma (autochrome en francés), numerosas imágenes que de otro modo nos hubieran llegado en blanco y negro cobran hoy insuitada vida, y son el mejor modo de viajar en el tiempo.

Patentada por los hermanos Lumiére 1903 y comercializada a partir de 1907, la placa autocroma permitió a centenares de fotógrafos de todo el mundo sintetizar el color en sus revelados. A día de hoy son numerosas las fotografías de aquella época tintadas. Un aspecto particular de todas ellas es el aire onírico, imaginado, que muchas contienen: la falta de definición que sólo las cámaras modernas traerían, unido al precario coloreado, a menudo repleto de colores pálidos, resulta en imágenes fantasiosas y evocadoras.

Una de las principales colecciones de fotografías autochrome del mundo se encuentra en el Museo Departamental Albert-Kahn, un banquero francés que durante su vida recopiló un vasto número de imágenes en un proyecto llamado Los Archivos del Planeta. En él, Albert-Kahn contrató a diversos fotógrafos de su tiempo para que recorrieran el mundo y lo fotografiaran a color. A través de ellas no sólo es posible deleitarse con la estética y los hábitos de las sociedades europeas de principios de siglo, sino también de lugares del mundo por aquel entonces remotos cuya existencia, hoy, es sólo fruto de los libros de historia, tras grandes transformaciones fruto de la globalización.

Se trata de un viaje en el mundo, y en el tiempo, maravilloso y fascinante.

Un soldado senegalés, del ejército francés, en 1916.

Ahmedabad, en la India, en 1913.

Pekín en 1913.

Bombay en 1912.

La ribera del Río Negro, en Vietnam, en 1916.

Estambul en 1912.

Una fantasiosa calle de Estambul en 1912. El Imperio Otomano aún era algo.

Una estatua dedicada a Shiva en Varanasi, en la India, en 1914.

Las pirámides egipcias a principios del siglo pasado.

Ulán Bator en 1913. No, no es la princesa Amidala, pero podría serlo.

Krusevan, pueblo ubicado en el por aquel entonces aún existente Reino de Serbia.

Lahore, Pakistán, en 1914.

Un lama en Ulán Bator.

Un jinete mongol.

Mercado callejero en Sarajevo, actual Bosnia, en 1912.

El metro de París en 1912.

Monasterio en Ulán Bator, en 1913.

Otros pequeños monasterios de Ulán Bator.

La Mongolia interior en 1912.

Más Mongolia interior.

Mostar, actual Bosnia, en 1913.

Un mujer mongola condenada a morir de hambre trata de escapar de su prisión en medio de la estepa asiática.

La Serbia rural en 1913.

París en 1914.

Refugiados turcos de la Segunda Guerra de los Balcanes (1913).

Saint Pierre Quilbignon, en Bretaña, Francia, en 1912.

Smilevo, Macedonia, en 1913.

El Taj Mahal, en Agra, la India, a principios de siglo.

Manisa, Turquía.

Un ferrocarril descarrilado tras la Segunda Guerra de los Balcanes en Turquía.

Internet sin trolls sería como una isla desierta, aburrida y sin mucho por hacer, y es que los trolls son esa parte esencial que se manifiesta en diversas formas, pero los más épicos son aquellos que imitan posturas y situaciones para parodiarlas por medio de imágenes, y así poner en evidencia las supuestas tendencias que vemos todos los días en las redes sociales.

Este es el caso de un 'Bros Being Basic', un maravilloso perfil en Instagram que imita muchas de las posturas adoptadas por las mujeres dentro de las redes sociales, pero con el giro de que todo es interpretado por hombres, una forma por demás curiosa de mostrar cómo algunas cosas se deben mantener exclusivas en las mujeres.

Hombres actuando como mujeres

'Bros Being Basic' comenzó en 2014 como un perfil que satirizaba los mensajes que muchas mujeres buscan transmitir en las redes sociales, pero con el paso de tiempo se transformó en uno de esos éxitos que ni sus creadores esperaban, ya que sólo se trataba de un grupo de amigos divirtiéndose.

Al día de hoy ya tienen más de 430.000 seguidores y desde hace unos meses empezaron a recibir fotografías del público, lo que le ha dado un nuevo dinamismo al perfil, ya que ahora cualquier persona puede participar, esto ha provocado que algunas imágenes seas hilarantes.

Parte de la filosofía del perfil es basarse en dos de los hashtags con más menciones por mujeres: 'blessed' (bendecido) y 'basic' (básico), donde curiosamente las fotos son todo menos 'básicas'.

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En Magnet | El maravilloso arte de ser troll y burlarse de las celebridades de forma magistral

Hace unas semanas la imagen que abre este post empezó a aparecer en los perfiles sociales de una gran cantidad de personas a lo largo del mundo, muchos estaban compartiendo la imagen porque llamaba la atención el cómo captaba un momento preciso de soledad, representado por la expresión de un rostro plasmado en un cartel publicitario, vamos, la imagen era atractiva en sí, lo curioso de todo es que nadie se dio cuenta que la foto provenía de RATP, el operador de transporte público en París.

Por supuesto esto resulta curioso ya que gran parte de este tipo de perfiles corporativos se dedican a transmitir información, publicidad e imágenes llenas de filtros fuera de una óptica artística, por ello resulta interesante el trabajo realizado por RATP, quienes han adoptado una estrategia más cercana con el usuario de la red de transporte y de la misma red social, presentando atractivas fotografías que hacen que sea uno de los perfiles más atractivos en Instagram al día de hoy relacionados con transporte público.

Una mirada artística al servicio de transporte público parisino

A sólo tres meses de haber arrancado en Instagram, la RATP ya cuenta con más de 20.000 seguidores y esto se debe principalmente al giro que han dado a su perfil, ya que han entendido de lo que se trata y qué es lo que busca la gente usuaria de la red: fotografías, y entre más atractivas mejor, por lo que han abandonado el mensaje corporativo e institucional que adoptan otros servicios similares en el mundo.

Para que esto diera resultado, la estrategia de RATP en Instagram contempla el apoyo de tres fotógrafos, quienes se dedican a subir imágenes de escenarios dentro del metro, vagones, instalaciones en general, así como destinos que podemos conocer por medio de un autobús, tranvía y el mismo metro.

Además de esto, RATP suele subir fotos de archivo de las décadas de 1950 a 1980, lo que otorga una variedad y nos hace viajar en el tiempo para conocer la estética de la ciudad y su gente; pero eso no es todo, ya que también aprovechan para seleccionar y subir fotos de usuarios, lo que hace que exista una dinámica de participación y cercanía, algo que ha sido muy bien recibido por todo el público.

Sabemos que París está atravesando por un periodo complicado, así que iniciativas como ésta donde se busca entretener, buscar participación y olvidar por un momento lo que sucede en la actualidad, se transforman en un verdadero oasis de paz, un viaje físico que se comparte con un maravilloso viaje visual.

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En Magnet | Así luce uno de los lugares más misteriosos del mundo: el metro de Corea del Norte

Cuando visitamos un nuevo lugar siempre tenemos esa necesidad de sacar muchas fotos, pero el estar expuestos al bombardeo constante de imágenes que llegan desde internet, televisión y el cine, puede provocar que caigamos en hacer fotos que todo el mundo ha visto, desde el mismo ángulo, los mismos fondos, vamos, la misma foto repetida en todo el mundo hasta el cansancio.

Por lo anterior, nos encanta encontrarnos con proyectos que buscan dar un giro a las clásicas fotos de turista, algo que se convierte en toda una experiencia ya que nos demuestra que la creatividad es capaz de mostrarnos cosas nuevas y atractivas, incluso de lugares que hemos visto en repetidas ocasiones. Hoy veremos como unos coches de juguete se vuelven protagonistas de las fotos de una joven exploradora, que nos muestra el mundo sin caer en clichés.

La diferencia entre ser explorador y turista

Kim Leuenberger es una joven suiza de 24 años que actualmente estudia fotografía en la Universidad de las Artes de Londres, pero que desde los 19 años decidió dejar su pequeño pueblo llamado Jura para empezar a explorar las maravillas de Europa y posteriormente de América.

Hace siete años sus padres le obsequiaron una réplica de la icónica minivan de Volkswagen, el regalo perfecto para una joven obsesionada con la cultura de la década de 1960, y desde entonces se dedicó a buscar más de estas réplicas para iniciar una colección. Pero estos pequeños coches no estaban destinados a estar guardados en una repisa, ya que un día Kim tuvo la idea de fotografiar uno de sus coches en el jardín de su casa, foto que posteriormente subiría a redes sociales donde recibiría muy buenos comentarios.

Gracias a esa respuesta es como finalmente decide que muchas de sus fotografías serían protagonizadas por estos coches de juguete, transformándolos en guías de turistas que nos muestran los lugares que Kim visita, sin duda una forma muy creativa de hacer fotografías.

Es así como desde hace cinco años los pequeños vehículos de juguete acompañan a Kim a todos lados, lo que la ha llevado a tener más de 118.000 seguidores en Instagram, algo que también ha servido para poner a prueba todo lo aprendido en la universidad.

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Singapur es una de esas regiones donde el tiempo parece detenerse cuando estamos ahí, pero cuando lo vemos desde afuera es una especie de ciudad futurista que cambia a un ritmo frenético que parece nunca descansar, una energía desbordante que absorbe a todo aquel que queda hipnotizado con su majestuosidad.

Esta energía hace de Singapur un país único, por ello atrae a millones de turistas y artistas quienes desean captar y ser partícipes de ese ritmo incesante de vida y crecimiento constante. Lo que hoy veremos es uno de los ejemplos más increíbles de todos los adjetivos que describen a Singapur, ya que se trata de una magnífico vídeo timelapse como nunca antes habíamos visto, ya que resume en unos cuantos minutos tres años de fotografías y evolución.

Imágenes, música, luces, saturación, tecnología

Se trata de una obra del fotógrafo Keith Loutit, australiano que actualmente vive en Singapur, ya que como él mismo menciona: "me deje seducir por ese extraño frenesí". Por ello en los últimos tres años se dedicó a captar esa esencia, pero con un paciencia donde parecía no haber cambios, ya que estamos hablando de poco más de 500 días de fotografías diarias, es decir, más de un millón de fotos.

El trabajo fue agotador, y no sólo el de sacar fotos diarias desde el mismo ángulo al mismo objeto en diferentes horas del día y la noche, no, lo realmente agotador fue seleccionar las imágenes para unirlas creando un vídeo que simula movimiento, porque lo que veremos en el vídeo son sólo fotografías, no se grabó un solo vídeo.

Pero como estamos hablando de un trabajo audiovisual, la música también tenía que ser especial, por eso decidió asociarse con el compositor y productor Michael Alder Milpeasen de Sepia Productions, quien viajó desde Copenhague a Singapur cada año para colaborar con el montaje de las imágenes y crear la pieza de música perfecta para la ocasión.

El resultado por supuesto es destacable, un vídeo que apenas supera los cuatro minutos, minuto y medio más largo que el proyecto inicial de Keith, donde el 75% de las fotografías fueron desechadas y se probaron más de 30 combinaciones de pistas musicales bajo diversos montajes, pero finalmente el trabajo vale la pena y nos muestra de forma perfecta, en imágenes y música, esa energía desbordante que sólo se encuentra en Singapur.

Bonus: la música

Si les gustó la música y desean conocer más acerca del trabajo del Sepia Productions, pueden encontrar una gran cantidad de sus composiciones en su perfil en Soundcloud.

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A través de historias, imágenes, homenajes y hasta críticas, la guerra ha sido parte activa de nuestra vida como sociedad desde hace siglos, ya que al parecer es una "única" manera de resolver diferencias y demostrar quién está al mando, lo que nos ha llevado a batallas donde los únicos afectados son los ciudadanos y su entorno.

Respecto a los homenajes de guerra existen diversos formatos que van desde monumentos, películas y literatura, pero ahora conoceremos una forma original de rendir homenaje a aquellos soldados que participaron en algún combate, ya que se hace uso de esos famosos soldados sin rostro del universo Star Wars, los Stormtroopers, quienes ahora son humanizados a través de la lente de un ex-Marine de los Estados Unidos.

Galactic Warfighters

Matthew Callahan fue parte de un grupo de Marines que hace cinco años fueron a Afganistán como parte de una misión del ejercito de los Estados Unidos, lamentablemente Matthew fue herido en servicio provocando que tuviera que regresar a casa. Pero Matthew no se rindió y se volvió a alistar pero ahora como corresponsal de guerra.

En los últimos años, Matthew ha sido testigo de los horrores en combate, ha visto morir amigos y compañeros, pero su trabajo es precisamente documentar las batallas por más crudo que esto sea, sin duda un trabajo complicado.

Ahora está de regreso en casa donde ha aprovechado para hacer exposiciones de las fotos que capturó en los últimos años, pero también está dando a conocer un interesante proyecto conocido como 'Galactic Warfighters' donde recrea muchas de las escenas que vivió en el campo de batalla, pero a través de Stormtroopers.

El trabajo nos muestra a estos icónicos personajes en situaciones en medio del caos, escombros, rodeados de armas y ocultos detrás de bardas y rocas, donde todo se presenta bajo una angustiante autenticidad que sirven para reflejar su carrera como corresponsal de guerra y contar algunas de las historias de las personas que sirven al ejercito.

Parte de esta realidad llega gracias a que Matthew hace uso mínimo de Photoshop para editar imágenes, él prefiere utilizar recursos reales que hacen que la escena tenga ese grado de autenticidad y así podamos admirar estas imágenes fascinantes, que podrían parecer simples recreaciones de un fan de Star Wars, pero detrás hay todo un homenaje a miles de personas.

Una foto publicada por Matthew Callahan (@galactic_warfighters) el 15 de Nov de 2015 a la(s) 10:08 PST

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